Andy Warhol in mostra a Milano: chi era e perché è famoso

Dopo dieci anni di assenza Andy Warhol torna a Milano  con una grande mostra, che si terrà negli spazi della Fabbrica del Vapore di Milano dal  22 ottobre 2022 al 26 marzo 2023. La mostra, dal titolo Andy Warhol – La Pubblicità della Forma, e curata da Achille Bonito Oliva,  in collaborazione con Edoardo Falcioni, ricostruisce l’iter dell’artista  attraverso circa 300 opere, tra disegni, dipinti, fotografie, opere uniche e serigrafie, che  abbracciano  un arco temporale che va dagli anni ’50 agli anni ’80.

Chi era Andy Warhol

Andy Warhol è stato uno dei più importanti esponenti della Pop Art ed uno degli artisti più interessanti del XX secolo.

Figlio di immigrati provenienti dalla Slovacchia, Andy Warhol nacque a Pittsburgh nel 1928. La sua carriera iniziò nel campo della pubblicità, nel quale poté sperimentare l’uso innovativo della serigrafia, lavorando presso riviste come Vogue, Glamour e Harper’s Bazar ed  ottenendo subito numerosi consensi. Ma è soprattutto dal 1962 che Warhol  si dedicò all’arte. Da allora  l’artista cominciò  a rappresentare personaggi famosi ed  oggetti di uso quotidiano, facendoli diventare  icone della società del suo tempo.

Andy Warhol è stato un personaggio poliedrico, dai tanti volti. Spaziò infatti dal mondo della pittura a quello dell’editoria e del giornalismo, a quello del cinema, in cui poté esprimere, come regista e sceneggiatore, i suoi lati più trasgressivi, affrontando temi , come la droga, la prostituzione e l’ omosessualità. Si avvicinò anche al mondo della musica,  in cui finanziò il primo disco dei Velvet Underground.

Una ex fabbrica di Manhattan divenne la sua Factory, in cui dal 1962 al 1968  ha potuto esprimere al meglio la sua creatività. Non era solo il suo studio, ma anche un luogo di ritrovo per artisti emergenti e per personaggi famosi. Fu frequentato per esempio da Mick Jagger, Saldavor Dalì, e Allen Ginsberg.

Dopo la morte prematura, avvenuta  a New York nel 1987, le quotazione delle sue opere crebbero così  tanto  da rendere Warhol il secondo artista dopo Picasso per il numero di vendite e per l’elevato prezzo dei  suoi lavori.

Cosa si intende per Pop-Art

Figura principale  della Pop Art, Andy Warhol ha compreso per primo l’importanza dell’immagine nella società dei consumi ed  ha rappresentato nelle sue opere,  in modo demistificatorio, le contraddizioni della società americana.

La Pop Art,  abbreviativo dell’espressione popular art, cioè  arte popolare, è stato un movimento, che si è sviluppato soprattutto negli Stati Uniti  nella seconda metà del ventesimo secolo. L’appellativo popular però non deve far pensare ad un’arte  per il popolo o del popolo, ma ad un’arte di massa, cioè prodotta in serie e anche anonima come è la massa.

Negli anni cinquanta / sessanta i divi del cinema diventarono dei miti e molte persone possedevano  la televisione, il telefono, l’automobile e tutti quegli oggetti che potevano conferire loro un certo status symbol. Gli artisti della Pop Art rivolsero dunque le loro attenzione a quegli oggetti ed ai quei  miti della nuova società dei consumi di massa.

Wharol stesso a proposito della Pop Art aveva scritto: la bellezza di questo paese consiste nel fatto che l’America ha creato una tradizione per cui i consumatori ricchi comprano in sostanza le stesse cose dei poveri. Sediamo davanti al televisore e beviamo la Coca-Cola, sapendo che il Presidente beve Coca Cola,  Liz Taylor beve Coca Cola: perciò pensiamo che anche noi possiamo bere Coca Cola.  L’uguaglianza veniva così resa possibile da una società che offriva a tutti  uguali possibilità ed in cui tutti potevano usare e bere  le stesse cose.

Se da una parte per Warhol doveva  essere riconosciuto ai prodotti di massa il merito di rappresentare la democrazia sociale, dall’altra però  l’acquisto indiscriminato di merci standardizzate e di larga diffusione  ha comportato  inevitabilmente l’omologazione dei comportamenti e quindi l’annullamento dell’individuo.

L’arte di Andy Warhol

Secondo Warhol l’arte non doveva  essere di nicchia e  non doveva  richiedere conoscenze particolari per essere capita, ma doveva essere di  immediata comprensione. Ritenendola  “di massa”, doveva essere accessibile a tutti e “consumata” come tutti i prodotti commerciali  del boom economico. Le opere di Warhol erano realizzate perciò in serie con l’utilizzo  della tecnica serigrafica, che rimanda alla cartellonistica pubblicitaria.

La scelta di riprodurre in serie ha demitizzato il concetto dell’unicità dell’ opera d’arte ed ha richiamato  il concetto della riproducibilità e della commercializzazione dell’ opera artistica come qualunque oggetto di consumo. La banalità dell’immagine consumistica  ha  comportato di conseguenza l’avvilimento del soggetto artistico e la  mercificazione dell’arte stessa.

 Quella di Warhol, come in generale la Pop Art, è quindi un’arte, che non  rappresenta i moti interiori e le emozioni dell’individuo, ma i cambiamenti dei valori della nuova società consumistica. In questo contesto anche l’arte diventa un prodotto in serie ed ogni immagine diventa un’ icona.

Addirittura  La Gioconda di Leonardo da Vinci venne riprodotta da  Warhol in più versioni e  trasformata  in mito di massa, quasi fosse un bene di consumo, come quelli prodotti dalla televisione o come i prodotti realizzati in serie e propinati da una  pubblicità martellante.

Mentre i prodotti d’arte in senso classico  furono ridotti ad oggetto di consumo di massa, gli oggetti di consumo divennero arte. Warhol apportò infatti una grandissima rivoluzione nell’arte, elevando a soggetto artistico un qualunque e banale prodotto,  esposto in serie sugli scaffali del supermercato. L’idea di fondo era che questi oggetti, in quanto rispondevano ai bisogni della società ed erano diventati i nuovi oggetti del desiderio, dovevano diventare delle icone da essere ammirate anche  nei musei.

Ed ecco che nacque la Campbell’s Soup Cans, una delle opere più conosciute di Warhol. Si tratta di un’opera realizzata nel 1962  e composta da trentadue tele in polimero sintetico su tela, ciascuna di 51 cm × 41 cm, che rappresentano  i barattoli di zuppa Campbell, di cui lo stesso artista era un consumatore.

Dopo aver comprato tutte le varianti di quei barattoli,  l’artista li ha  riprodotti in maniera impersonale  su uno  fondo bianco e li ha ingranditi fino a riempire l’intera superficie della tela. Ha reso così quel tipo di zuppa un’icona della modernità.  Sempre nello stesso anno, nel 1962,  Warhol riprodusse  le famose bottiglie verdi di Coca Cola, che era diventata un simbolo per tutti gli americani e dell’America stessa. Ovviamente questo dipinto, che  raffigura centododici bottiglie della bevanda, disposte una vicina all’altra all’interno dello spazio,  mise in evidenza i valori  frivoli e superficiali di quella cultura di massa.

Accanto agli oggetti di consumo ci sono, nella produzione artistica di Warhol, anche  i ritratti di cantanti famosi, come Elvis Presley, John Lennon, Michael Jackson, o personaggi legati al mondo del fumetto, come Topolino e Superman, oppure all’industria,  come  Gianni Agnelli, o al mondo della politica, come Jacqueline Kennedy, Lenin, Che Guevara, Mao Tse-Tung ed addirittura ci sono immagini di Freud, del padre della psicanalisi.

Tra le serigrafie di personaggi famosi  le più conosciute sono  indubbiamente quelle di Marylin Monroe. Fu subito dopo la morte dell’attrice, avvenuta nel 1962, che Warhol volle omaggiarla, rendendola un’ immagine senza tempo. l primi quadri di Marilyn Monroe sono stati realizzati infatti  a partire da quell’anno. L’artista l’ha ritratta nelle versioni più colorate ed ha utilizzato la tecnica serigrafica e la ripetizione delle immagini. Tra le Serigrafie più note dedicate a Marilyn Monroe possiamo ricordare: Marilyn Diptych, Gold Marilyn Monroe, The Shot Marilyn Monroe, Marilyn Monroe 1967.

Da diva del cinema Marilyn Monroe fu  trasformata in una donna sensuale e irraggiungibile, un desiderio di massa, in quanto aveva  in sé tutto ciò che la società desiderava. Divenne un’icona del desiderio tanto quanto  la  Campbell’s Soup, che  era diventata anch’essa  il nuovo oggetto di desiderio.

Nell’  opera del 1967, per esempio, di 91,5 cm x 91,5 cm per ogni modulo, per un totale di 10 serigrafie su carta, il volto di Marilyn Monroe è ripetuto per ogni modulo con variazioni di colore ed emerge  da un fondo uniforme che lo mette subito in evidenza. Con l’uso di colori audaci, tipici della Pop Art, l’artista ha voluto spersonalizzare il soggetto, che diventa un’immagine senza espressione. Questo  personaggio, come tutti gli altri  rappresentati da Warhol, perde infatti quegli elementi, che caratterizzano la sua  personalità, poiché  l’artista  voleva offrire non tanto l’immagine dell’individuo, quanto quella del personaggio pubblico.  

Anche Liz Taylor fu celebrata da  Warhol, in  una serie di 13 dipinti nel 1963. sempre con la tecnica della serigrafia a partire da un’immagine pubblicitaria. Il suo volto è così perfetto da sembrare quasi irreale.

Accanto al tema del successo è presente nelle opere di Warhol quello della morte. C’è tutta una serie di opere incentrate su questo tema ed in particolare sulle  cause di morte nella società del consumismo. Volendo usare anche per questa serie il linguaggio dei mass media, l’artista ha scelto delle fotografie giornalistiche con scene orribili di rivolte razziali, di incidenti automobilistici e di esplosioni nucleari oppure incentrate sulla sedia elettrica, come la  serie Electric Chair .  In quest’ultima la stanza appare senza uomo, proprio per veicolare il concetto che  non ci doveva essere più nessuno ed è anche colorata, quasi per invalidarne il ruolo. La sedia elettrica apparve come qualcosa non lontana, ma che faceva  parte della società. Nel 1963 ci furono infatti due esecuzioni, che  diedero nuovo impulso ai movimenti per i diritti dell’uomo. La sedia elettrica diventò così oggetto di discussione di una società che la contestava o la giustificava.

Anche se, soprattutto in Europa, le opere di Warhol  furono interpretate come un attacco al capitalismo, in realtà egli con la sua arte  non aveva nessuna finalità politica, né intento di denuncia sociale, ma voleva soltanto trasmettere un “documentario” in modo fedele  e realistico della società consumistica ed ha avuto il grande merito di averne  intuito  le conseguenze.  

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